PORTFOLIO

2012-01-15T17:02:00.000-08:00

Pik Nik

Öl/Lw

150 x 200 cm

2012

Privatbesitz

2012-01-14T08:41:00.000-08:00

Monument (b.f.)

160 x 130 cm

Öl/Lack/Lw

2012

Privatbesitz

Wirbel

2011-12-04T12:13:00.000-08:00

einige Wirbel

Familie, Skizze

(Ansicht)

alle Sommer 2011

Öl/Lw

diverse Formate

2011-12-03T20:20:00.000-08:00

Kalamata Oliven

Aquarell/Papier, gerahmt

29,5 x 20 cm ( ca 35 x 25 cm)

2011

familie, altes gestein

2011-12-03T20:19:00.001-08:00

Steine, Rauch, Geschwister

2011

Öl/Lw

40 x 30 cm

Heat

2011

Öl/Lw

40 x 30 cm

verschwörung / conspiration

2011-12-03T20:18:00.000-08:00

Verschwörung der Geschwister 1/

sister´s conspiration 1

Plastik, Fotokopie, objet trouvee

ca 20 x 14 x 4 cm

1994/2011

Verschwörung der Geschwister 2/

sister´s conspiration 2

Aquarell/Bleistift/Papier

29 x 21 cm

2011

2011-12-02T13:27:00.000-08:00

2011-12-01T12:41:00.000-08:00

Sterbende Magdalena

(nach V.)

2011

Bleistift/Papier

29 x 21 cm, gerahmt

athens diary 25.09. - 9.11.2011

2011-11-14T01:26:00.000-08:00

athens diary

25.9.-9.11.2011

scetchbook

100 drawings

pencil on paper

20,5 x 14,5 cm

athens diary 25.09. - 9.11.2011, 2

2011-11-14T01:25:00.000-08:00

Athens diary

25.9.-9.11.2011

scetchbook

100 drawings

pencil on paper

20,5 x 14,5 cm

2011-10-21T13:55:00.000-07:00

website under construction..

On steep waves/ Auf steiler Welle/ στην πλαγιά των κυμάτ - Station 2: Wien, fluc Bar-16/11/2011-ab 21 Uhr in der Kubatur des Kabinetts-Vienna Art Week

2011-10-21T13:50:00.000-07:00

on steep waves/ Auf steiler Welle/ στην πλαγιά των κυμάτων - Station 1: Athen, ReMap 3, Leonidou 11, Kerameikos Metaxourgeio- 27/10 - 30 /10/2011

2011-10-20T18:04:00.000-07:00

on steep waves/ Auf steiler Welle/ στην πλαγιά των κυμάτων - Station 1: Athen, ReMap 3, Leonidou 11, Kerameikos Metaxourgeio- 27/10 - 30 /10/2011

2011-10-20T15:10:00.000-07:00

On steep waves/ Auf steiler Welle/ στην πλαγιά των κυμάτων - Station 1: Athen, ReMap 3, Leonidou 11, Kerameikos Metaxourgeio- 27/10 - 30 /10/2011

2011-10-20T13:51:00.000-07:00

On steep waves/ Auf steiler Welle/ στην πλαγιά των κυμάτων

27/10 - 30 /10/2011

a postcard wandering exhibition

collected by Katherina Olschbaur

with a text by Arie Amaya - Akkermans

with:

anonymous artists from Bahrain, Nadja Athanassowa (A), Arie Amaya Akkermans, Eva Chytilek (A), Ida Marie Corell (D) Mara Diener (D), Haris Dumic (BA), Nilbar Güres (T), Michael Horsky (A), Michael Gorman (D), Benjamin Hirte (D, A) Christoph Holzeis (A), Ibi Ibrahim (Yemen), Verena Kamler (D), Nadja Kelm (UKR), Christian Kobald (A), Marie - Luise Lebschik (D), Giorgios Makkas (GR), Luiza Margan (HR), Jim Morrison (heaven), Robert Muntean (D), Ekaterina Shapiro - Obermair (A, RUS) , Panos Papadopoulos (GR), Lisl Ponger (A), Serge Poliakoff (UKR), Alfons Pressnitz (D), Bernhard Rappold (A) Anja Ronacher (A,UK) Inna Sawhorodnia (UKR), Tim Sharp (A), Michael Strasser (A), Deniz Soezen (CH, T, A), Prince Yussuf II, Jerusalem , Dorota Walentynowicz (PL) , Herwig Weiser (A), Linda Williams (UK)...

and many more

Friends, artists and people that I have met on journeys in the course of the last few years were invited to send me postcards to my temporary addresses, stations, in between Vienna and Athens. The message from another place, the place that is not present, or the person that is absent; that is the central theme of the exhibition. The title was chosen freely from a line of Arthur Rimbaud's 'Le Bateau Ivre (1871) in the German rendition of Paul Celan, out of which we are drawn to the image of the vessel in a turbulent sea as a metaphor for a journey with an open end, or for a permanent state of unrest.

"On steep waves/ Auf steiler Welle// στην πλαγιά των κυμάτων " relies at the same time on a very personal experience: solitude - and here poses the question if at this very junction of time it becomes political as well ? - upon awareness of one's loneliness, one is ready to receive a message, a message from far away, in times of utmost uncertainty.

"On steep waves/ Auf steiler Welle / στην πλαγιά των κυμάτων" is made as a wandering exhibition, with its first station in Athens, Kerameikos-Metaxourgeio, 27.- 30. October, 2011. The second station will be in Vienna on 16. of November 2011, a one evening show at the Fluc in Vienna, during the Vienna Art Week "Reflecting Realities"; other stations are still open and in planning. The exhibition will change and grow in the course of this journey. Unlike the idea of an archive, the exhibit is more like a collection, an open book of about 40 poems where each message is visible to the beholder and holds a singular importance on its own.

K. O.

Auf steiler Welle / στην πλαγιά των κυμάτων

27/10 - 30 /10/2011

Ζήτησα από φίλους, καλλιτέχνες και τυχαίους ανθρώπους που γνώρισα στα ταξίδια μου τα τελευταία χρόνια να μου στείλουν καρτ-ποστάλ στις προσωρινές διευθύνσεις μου, σταθμούς μου, μεταξύ Βιέννης και Αθήνας. Το μήνυμα είναι από το άλλο μέρος, το μέρος που δεν είναι παρών και ο αποστολέας είναι απών· αυτό είναι το κεντρικό θέμα της έκθεσης. Ο τίτλος επιλέχθηκε ελεύθερα από ένα στοίχο του ποιήματος του Αρθούρου Ρεμπώ Το Μεθυσμένο Καράβι (1871) από την γερμανική απόδοση του Paul Celan, που θα μπορούσε να μας δώσει την εικόνα ενός πλοίου στην ταραγμένη θάλασσα ως μια μεταφορά για ένα ταξίδι χωρίς προορισμό ή για μια μόνιμη κατάσταση αναταραχής.

Η έκθεση "Auf steiler Welle" ( ) στηρίζεται ταυτόχρονα στην προσωπική μου εμπειρία της μοναξιάς. Σε αυτό ακριβώς το σημείο θα μπορούσε να γίνει η υπόθεση οτι η έκθεση αγγίζει την πολιτική σε ένα ποιητικό επίπεδο· όταν το άτομο συνειδητοποιεί την μοναξιά του είναι έτοιμο να δεχτεί ένα μήνυμα, ένα μήνυμα από πολύ μακριά, σε περιόδους εξαιρετικής αβεβαιότητας.

Η "Auf steiler Welle" είναι φτιαγμένη ώστε να είναι μια περιπλανώμενη έκθεση, με πρώτο σταθμό τον Κεραμεικό της Αθήνας τον Οκτώβριο του 2011.

Ο δεύτερος σταθμός θα είναι στη Βιέννη στις 16 Νοεμβρίου 2011 μόνο για ένα βράδυ στο πολυχώρο Fluc, κατά τη διάρκεια της εβδομάδας Τέχνης της Βιέννης "Reflecting Realities" · οι επόμενοι σταθμοί είναι σε σχεδιασμό και ακόμα ανοικτοί.

Η έκθεση θα αλλάζει και να αναπτύσσεται κατά τη διάρκεια αυτού του ταξιδιού, σε αντίθεση με την λογική ενός αρχείου, και περισσότερο σαν μια συλλογή, ένα ανοικτό βιβλίο των 40 ποιημάτων, όπου κάθε μήνυμα είναι ορατό στον θεατή κατέχει την δική του μοναδική σημασία.

Leonidou 11, 5th floor apartment ( ReMap Point 14)

Kerameikos - Metaxourgeio, Athens, Greece

27/10 - 30 /10/2011

Opening: 27/10, 19.00

Opening hours of ReMap 3

http://remapkm.org/

2011-10-06T12:33:00.000-07:00

2011-09-23T11:30:00.000-07:00

1 mashed sun

2011

Öl/Spray/Lw

160 x 135cm

3 Tür und Rauchzeichen

2011

Öl/Lack/Spray/Lw

200 x 150 cm

2011-09-23T11:29:00.000-07:00

2 Haufen

2011

Aquarell/Bleistift/Papier

27 x 21 cm

2011-09-22T15:08:00.000-07:00

Symbiosis?

/ XV Biennial BJCEM / 07.10.2011 - 6.11.2011

Port Area

Thessaloniki - Greece

Ansicht:

Younes Baba - Ali

Katherina Olschbaur

2011-09-14T00:36:00.000-07:00

2011-09-10T17:02:00.000-07:00

….from erewhon to here knows when….

Opening:

Saturday, September 10, 2011 at noon

mit

Franz Amann, Nadja Athanassowa, Sasha Auerbakh, Michael J. Baers, Rosa Barba, Nicolas Ceccaldi, Emanuel Danesch / David Rych, Christian Egger, Cerith Wyn Evans, Gregor Eldarb, Claire Fontaine, Seiichi Furuya, Nikolas Gambaroff, Manuela Gernedel, Manuel Gorkiewicz, Nikolas Gambaroff, Julia Haller, Nathan Hylden, Christoph Höschele, Bernd Krauß, Markus Krottendorfer, Michelle di Menna, Lone Haugaard Madsen, Birgit Megerle, Chiara Minchio, David Moises, Stefan Müller, Ulrike Müller, Karl Orton, Katherina Olschbaur, Mitzi Pederson, Georg Petermichl / Manfred Hubmann, Giorgi Piralishvili, Zak Prekop, Josephine Pryde, Isabella Schmidlehner, Ezara Spangl, Jelena Trivic, Cathrin Ulikowski, Jannis Varelas, Maja Vukoje, Johannes Vogl, Christoph Weber, Marnie Weber, Herwig Weiser, Alexander Wolff , curated by Christian Egger

2011-09-08T02:02:00.000-07:00

Gestaltung der Einladung: Laurenz Feinig

2011-09-08T01:55:00.000-07:00

Daniel Spoerri zu Katherina Olschbaur

Es ist nicht an mir, jetzt bedeutende kunsthistorische Prognosen und Interpretationen in die Bilder

von Katherina O. zu projizieren. Sie ist auch keine "Entdeckung", wie man so schön sagt.

Ich habe sie zufällig, erst vor kurzem bei einer Vernissage in Wien kennengelernt, und weil sie mir

von Bruno Schulz erzählte - einem jüdischen Künstler aus dem damaligen Polen, der jetzigen

Ukraine, der von der Gestapo auf der Straße erschossen wurde - und weil sie zu Schulz´Geburts-

ort und Todesort gereist war, um mehr über Ihn zu erfahren, wurde ich auf sie aufmerksam.

Bruno Schulz ist nämlich nicht nur ein feiner, nicht sehr bekannter Maler und Grafiker - seine

erstaunlichsten Werke sind Glasradierungen aus den Dreissiger Jahren, eine sehr schwierige

Technik, mit der er seine masochistischen Visionen ausleben konnte - er ist vor allem ein

bedeutender Dichter. Sein Hauptwerk "Die Zimtläden" gehört zu den Meisterwerken des

letzten Jahrhunderts, das ebenfalls vor dem zweiten Weltkrieg auch von manchen

Kollegen hoch geschätzt wurde, bis heute jedoch fast ein Geheimtipp blieb. Am selben Nach-

mittag, an dem ich Katherina O. kennen lernte, hatte vorher noch Bora Cosic mit mir über

Bruno Schulz gesprochen; ich war also besonders programmiert.

Vor allem ihre großformatigen Bilder, aber auch die kleinen, wie die zwei, die sie auf der

Einladungskarte zu dieser Ausstellung schon gesehen haben, erinnern mich an meine frühe Zeit

beim Theater und an Entwürfe für große Textil - Bühnenbilder. Sie gehen aber darüber hinaus,

und es ist der Zuschauer selbst, der darin spazieren gehen kann.

Wie ich schon eingangs gesagt sagte, auf die Bedeutung der Werke unserer jungen Künstlerin

will ich mich nicht einlassen. Ich freue mich vor allem über das zufällige Zusammentreffen

dieser beiden Ausstellungen. Auch bei Vera Mercer sind es Räume, in denen sie ihre präch-

tigen und barocken Natures mortes wörtlich: tote Naturen - inszeniert und beleuchtet. Kein

Wunder, denn ihr Vater war einer der bedeutendsten Bühnenbildner der Fünfziger

Jahre. Dort, im Bühnenbildatelier ihres Vaters im Schauspielhaus Darmstadt habe ich auch das

junge und scheue Mädchen Vera 1958 getroffen.

Das Vera einen Motor in sich hatte, der sie immer weiter trieb, bis zu diesen großen Stillleben

heute, hätte ich damals nicht vorhersagen können. Ich dachte auch nicht über die Ursachen nach,

über die Urtriebe, die uns immer weiter suchen und probieren lassen.

Bei Katherina Olschbaur bin ich mir aber sicher, dass auch sie von diesem Motor angetrieben

wird, der sie nicht aufhören lassen wird, immer weiter zu machen und weiter zu malen. Wie

André Thomkins sich kurz vor seinem Tod in 36 Anagrammen das Diktum einhämmerte:

"weitermalen"

Nie malte wer mental wie er!

ei, wen malte er? Wien malte er.

Mal wienerte, mal weinte er.

anlässlich der Ausstellung:

Schatten und Wirbel

Katherina Olschbaur

Festsaal über dem Esslokal

Vera Mercer, Daniel Spoerri - Stilleben

Ausstellungshaus Spoerri, Hadersdorf am Kamp (Ö)

3. 9. 2011 - 30.10.2011

2011-07-10T00:23:00.000-07:00

Blitzz ( Erinnerung)

2011

Öl/Lw

60 x 50 cm

magazin vienna, 9.6. - 30.6.2011

2011-06-30T10:26:00.000-07:00

magazin vienna

into deeper lands

at open sea

9.6.- 30.6. 2011

Anna Mitterer (Sonate, 2008, 6:07 min, 16mm/DVD)

Herwig Weiser (Entree, 1999, 8:48 min, super 8/16 mm/beta SP)

Christoph Brech (Punto, 2006, 10:09 min, loop)

Katherina Olschbaur ( Malerei, 2011)

2011-06-30T10:05:00.000-07:00

1 Ausstellungsansicht

2 Ansicht vorne: Anna Mitterer

3 Ansicht: Herwig Weiser

4 Eier, metallisch, 2011, Öl/Lw, 60 x 40 cm

5 Ansicht: Christoph Brech

6 Ausstellungsansicht rechts: Herwig Weiser, links: Katherina Olschbaur

2011-05-25T01:31:00.000-07:00

http://www.magazinvienna.com/

2011-05-25T01:00:00.000-07:00

Knüllungen, Wirbel

2011-05-16T15:01:00.000-07:00

O.T. Wirbel

2011

Öl/Lw

60 x 50 cm

Blizz

2008 - 2010

Öl/Lw

60 x 50 cm

NEU!

2011-02-14T00:33:00.000-08:00

to Mizzie, to Leo and our endless parties to come...

EDITION BASIS WIEN:

Katherina Olschbaur

2011

mit Texten von Oona Lochner und Brigitte Felderer

32 Seiten gebunden, englisch - deutsch

Graphische Gestaltung: Toledo i Dertschei

ISBN: 978-3-9503027-0-7

Mizzie Olschbauer, Tänzerin im Colosseum in Wien

Foto A. Kolm, Wien 1902

2011-02-10T16:17:00.000-08:00

Textile Raumentwürfe
Oona Lochner

Wie entwickeln wir Vorstellungen von Raum? Diese Frage lässt sich in Katherina Olschbaurs Malerei bis zu ihrer Serie „Hülsen“ (2005-2007) zurückverfolgen, in der sie ausgehend von der menschlichen Figur das Zusammenspiel von Fülle und Leere erprobt. Kleidungsstücke vertreten dort die eigentlichen Protagonisten, doch den textilen Kürzeln fehlen Kopf und Hände und mit ihnen Mimik, Gestik und Inkarnat als wesentliche Elemente des Portraits. Stattdessen lösen sich die Stoffe aus ihrer Rolle des Accessoires, und werden umgekehrt zu einem Instrument, mit dem sich Körper aus dem leeren Raum erst herausschälen lassen. Die Idee einer Formfunktion textiler Materialien, die Olschbaur bereits hier formuliert, intensiviert sie in ihren neueren Arbeiten.

So fungieren auch in der Serie ihrer Schaufensterbilder vertikal drapierte Stoffbahnen als anthropomorphe Zeichen. Wenn sie zum Leben erwachen, wandelt sich die Präsentation der Konsumgüter in eine theatrale Selbstdarstellung, das Schaufenster wird zur Bühne für nächtliche Tänzer und für die Inszenierung konspirativer Treffen. Indem sie den leeren Raum in ihren weiten Falten umschließen, bauschen sich die Tücher zu Körpern auf, während sie gleichzeitig als arrangierte Stoffe erkennbar bleiben, die Auskunft über die Art ihrer Aufhängung oder Drapierung geben. Diese identifikatorische Spannung zwischen Figur und Verkleidung erzeugt Olschbaur auch in der Serie der Papierarbeiten „Großmutter Gespenst“. Ein floral gemustertes Tuch formt sich hier im leeren Raum zu immer neuer Gestalt, die Stelle seines Trägers hingegen bleibt leer, denn die Skizzierung seiner Struktur verschwindet in der weißen Fläche des Blattes.

Zwar lässt sich erahnen, dass das Tuch mal über ein Stativ, mal über einen Stuhl gelegt wurde, der Ort, den der Faltenwurf markiert, bleibt jedoch stets uneindeutig.

Einer solchen, nur vagen Andeutung des Raums dienen Olschbaur auch architektonische Elemente. Die Rückwand der Schaufenster ist meist noch als ornamentales Gitter ausgestaltet, Seitenteile und vordere Kante hingegen bestehen häufig nur aus wenigen Strichen oder einem schmalen Farbband. Immer wieder enden die Begrenzungen des Guckkastens noch innerhalb der Leinwand, so dass rund um den ausgeformten Raum ein nicht näher bezeichneter, abstrakter Farbstreifen stehen bleibt. Der malerisch gestaltete Illusionsraum trifft hier unvermittelt auf seinen materiellen Träger und wird so erkennbar als konstruiert und willkürlich, als kaum verlässlicher Orientierungspunkt für den Betrachter.

Auf vergleichbare Weise unsicher bleiben auch Olschbaurs „Interieurs“, denn auch hier sind die Grenzen des Innenraums häufig nur uneindeutig markiert. Fluchtlinien, Türen oder Fenster sind Versatzstücke, die eine letzte Interpretation ihrer Orte verweigern. Oft genug erscheint das Volumen des Mobiliars als einzig raumdefinierendes Element, das beziehungslos in eine amorphe Umgebung gesetzt ist. Deren Ambiguität aber überträgt sich auf die Objekte, wenn sich Sofas und Lampen vom Boden lösen oder wenn, umrahmt von einer kulissenartigen Architektur, das Loch zur zentralen Figur eines Interieurs wird. Einerseits enthält das Loch ein Moment des Verlusts und freien Falls, so dass nach den Seitenwänden nun auch der Boden nachgibt.
Vor allem aber ist es als Ort der Absenz eine negative Ausdehnung, die ähnlich den „Hülsen“ oder Stoffkörpern nur als ummantelte Form ein Volumen besitzt.

Zur weichen Ummantelung leeren Raums werden schließlich auch die Wände, wenn sie sich in einem weiteren Interieur zusammenfalten und in die Tiefe des Bildraums zurückziehen. Die ohnehin fragmentierten Architekturen treffen nun auf das textile Formvokabular der Falten, Schlaufen und Knüllungen und thematisieren einmal mehr das Verhältnis zwischen malerischem Raum und materieller Bildfläche. Zwar ist die Faltung noch innerbildlich, doch schleicht sich der Verdacht ein, sie könnte auf die Leinwand ausgreifen, so dass auch sie sich zusammenzieht und den Raum weniger darstellt als umschließt und formt. Ebendiese Überschneidung der Realitätsebenen liegt der Serie der „Schreine“ zugrunde. Hier löst sich der Raum in abstrakte Farbfelder auf, die gebauschter Draperie ähneln, aber doch flächiges Zeichen bleiben. Von reich verzierten Altartüchern ausgehend, ziehen sich scharfe Knickfalten über die ganze Länge der Leinwand, und sie selbst erscheint plötzlich geknittert, aufgeworfen oder aufgeklappt. Auf den Grenzlinien zwischen Raum und Textil lässt Katherina Olschbaur die Materialität des Mediums mit seiner Fähigkeit zur Illusion zusammentreffen und stellt so die Möglichkeiten malerischer Raumgestaltung neu zur Disposition.

2011, in Edition Basis Wien No 6: Katherina Olschbaur

Textile Production of Space

Oona Lochner

How are our notions of space developed? Traces of this question are visible in Katherina Olschbaur’s painting up to her series „Hülsen“ [Hulls] (2005-2007), through which, based on the human figure, she experiments with the concurrence between fullness and void. Pieces of clothing act as a substitute for the actual actors, yet the textile symbols are always bereft of head and hands, henceforth, the quintessential elements of the portrait, such as mimicry, gesture and the clay colours of human flesh are absent too. The textiles instead, release themselves from their role as accesoires and become an instrument of their own, through which the bodies emerge out of the empty space. The idea of textile materials serving to shape forms, as Olschbaur had already formulated here, is intensified in her more recent work.

In her display windows series, the vertically draped cloth width acts as an anthropomorphic symbol. As they are coming to life, the displayed consumer goods are suddenly turned into a theatrical embodiment of themselves and the display window becomes then the floor for nightly dancers and the perfect arena for the orchestration of a conspiracy. Enveloping the empty space in their broad pleats, the cloths billow into human bodies, while at the same time remaining unmistakably in the forms of the textile material that provides concise information about the style of their mounting and draping. Olschbaur also recreates this so lively tension of identities between representation and textile material in a series of paper works titled „Grossmutter Gespenst“ [Grandmother Spectre]. A floral patterned cloth is shaping itself out of the repeatedly empty space into an ever so new form; yet, the position of its bearer remains empty, as the abbozzatura of the composition is fading out into the white flatness of the sketchpaper. While we may surmise that the cloth lies now here over a tripod, now there over a chair, the place that marks the draping of the pleats still remains unclear.

Architectural elements also come into play to enact Olschbaur’s rather vague innuendo of space. The rear wall of the display windows is more often than not, designed as an ornamental lattice, but the frames and the salient ridges frequently consist of only a few lines or a narrow strip of colour. The margins of this raree show repeatedly come to an end already inside the canvas, so that only a strip of colour remains around the moulded space, abstract and without a close-up effect. The illusory space of the painting encounters here unmediatedly its own material bearings and thus becomes fully recognizable as something constructed and arbitrary; hardly a reliable point of reference for the viewer.

In the same fashion, Olschbaur’s „Interieurs“ also wander in uncertainty, for here too the boundaries of the inner space are only ambiguously delineated. Alignments, doors or windows are mismatched pieces that refuse a definite interpretation of their actual location. All too often the volume of the furniture appears to be the only spatially defined element, placed haphazardly into a formless environment. The topographical ambiguity, however, is carried over into the objects as well, when sofas and lamps rise out of the floor, or when, framed by scenery-like architecture, a hole turns into the central piece of an interior. On the one hand, the hole captures a certain moment of total loss and free fall, so that, on the other hand, along with the sidewalls, the floor recedes too. As a place of absence, it is above all a negative dimension that, like the „Hülsen“ [Hulls] or the bodies of textile, it possesses volume only as a shrouded form.

The shrouding into empty space will reach at long last into the walls, as they fold on and on within another interior and move backwards into the depth of the pictorial space. The architectures, by all means fragmented, meet now the textile vocabulary of pleats, loops and crumples and, once again, take up the issue of the relationship between pictorial space and the material surface of the image. While the pleating of the textile material still takes place inside the image; a creeping suspicion affects the viewer with in that it could reach out of the canvas, so that it becomes constrained and brings out the spatial dimension less than it is closing it up and shaping it. It is precisely this overlapping cut through the layers of what is real, that forms the basis of the series „Schreine“ [Shrines]. Here space is dissolved into abstract fields of color that resemble the swelling of drapery, yet the symbols remain constantly flat. Beginning with richly adorned altar cloth, sharp creases spread over the whole length of the canvas, which appears suddenly itself creased, pouting and opening up. Katherina Olschbaur brings together and at the same time transforms the material nature of her medium and its power for illusion at the very limit between space and textile, and while at that, she questions anew the possibility of the production of space in painting.

Translation: Arie Amaya - Akkermans

2011-01-30T05:39:00.000-08:00

corrspondence, fragments Yussuf - Leo 2007-2011...

2011-01-13T18:40:00.000-08:00

sweet anticipation, 2010/2011

2010-12-30T14:46:00.000-08:00

Sweet Anticipation

Kuratorin: Övül Durmusoglu

KünstlerInnen:

Cäcilia Brown, Katharina Gruzei, Elisabeth Junger / Severin Weiser, Matthias Klos / Dagmar Buhr, Marianne Lang, Sina Moser /Joyce Rohrmoser, Katherina Olschbaur, Bernd Oppl, Petra Polli, Markus Proschek,Anja Ronacher / Robert Gruber, Elisabeth Schmirl, Andy Scholz, Christopher Steinweber, Beate Terfloth, Kay Walkowiak

http://www.salzburger-kunstverein.at/at/ausstellungen/aktuell

http://theladyfromshanghai.blogspot.com/2010/12/sweet-anticipation-salzburger.html

2010-12-30T10:13:00.000-08:00

in: Sweet Anticipation, Salzburger Kunstverein, 2010

Shrine / Schrein (Serie 4-teilig)

2010-10-10T00:20:00.000-07:00

Schrein No2 (kaltes Feuer)

160 x 130 cm

Öl/Molino

2008-2010

fever

2010-10-03T06:49:00.000-07:00

Seltsame Gefährten spazieren über eine Landschaft/

fever

2010

Öl/Lw

160 x 130 cm

Sammlung Artothek des Bundes

2010

2010-07-09T17:00:00.000-07:00

Tuch (Ikone)

40 x 30 cm

Öl/Molino

2009

Unsichere Räume 2008 - 2010

2010-07-07T16:37:00.000-07:00

Unsichere Räume (Interieur)

(Serie, lose, ca 20 - teilig)

je 50 x 60 cm, bzw 40 x 30 cm

Öl/Lw

2008 - 2010

Unsichere Räume, flat 1, Wien 2010

2010-07-05T14:47:00.000-07:00

Unsichere Räume

30.06.2010 - 30.07.2010

FLAT 1 temporary

Schikanedergasse 2

1040 Wien

Eröffnung: Dienstag, 29. Juni 2010, 19 Uhr

Öffnungszeiten jeweils Donnerstag, 18 - 21 Uhr

Die Ausstellung "Unsichere Räume 30.06.2010 - 30.07.2010" setzt sich thematisch mit dem Verschwinden von Räumen, im besonderen mit jenen, die den Totalitarismen der Moderne zum Opfer gefallen sind, auseinander. Im Rahmen dieser Auseinandersetzung stellt sich für uns die Frage, wie die Suche nach einer vergangenen Zeit, nach einem verlorenen Ort in eine zeitgenössische künstlerische Reflexion transferiert werden kann. Die Ausstellung umfasst die Medien Malerei, Fotografie, Film und Installation und versucht konzeptuelle und freie bildnerische Herangehensweisen zu kombinieren. Einen Verknüpfungs- und Ausgangspunkt der gezeigten Arbeiten bildet das Reisen, das sowohl als tatsächliche Bewegung im Raum, als auch als fiktive oder innere Bewegung verstanden werden kann.

kuratiert von Anna Mitterer und Katherina Olschbaur

mit Arbeiten von:

Martin Bilinovac (A)

Matthias Buch (A)

Anna Mitterer (A, IRL)

Bettina Nürnberg (D)

Katherina Olschbaur (A)

Dirk Peuker (D)

Igor Sevcuk (NL)

Miriam Visaczki (D)

& Claire Waffel (D)

"...und immer fehlt mir etwas, und das quält mich"- Kunstgruppe Köln, 2010

2010-04-09T15:33:00.000-07:00

2010-02-05T18:56:00.000-08:00

2009-12-30T11:00:00.000-08:00

1 O.T.

2009

120 x 95 cm

Öl/Lw

Privatsammlung Wien

2 heart & heater

2009

Öl/Lw

80 x 60 cm

Privatbesitz Wien

Reden ist Silber, Zeigen ist Gold - Atelierhof Kreuzberg, Berlin 2009

2009-12-30T00:07:00.000-08:00

2009-11-10T01:58:00.000-08:00

Mantel

(Serie)

2009

Aquarell/Papier

je ca 38 x 24 cm

Privatbesitz Köln

2008-12-12T16:30:00.000-08:00

Beine (nach Piero de la Francesca)

60 x 50 cm

Öl/Molino

2008

Privatbesitz

2008

2008-12-12T05:12:00.000-08:00

1 amy

50 x 40 cm

Öl/Leimfarbe/Lw

2008

Privatbesitz Ö

2 Tür und Tor

40 x 30 cm

Öl/Lw

2008

Privatbesitz Wien

eier oder zitronen? eggs or lemons?

2008-12-11T05:21:00.000-08:00

Eier oder Zitronen?

160 x 130 cm

Öl/Molino

2008

Besitz Sammlung Illwerke Vorarlberg

2008-12-11T05:20:00.000-08:00

Filter

60 x 50 cm

Öl/Molino

2008

Privatbesitz Wien

2008

2008-07-09T15:41:00.000-07:00

Spaziergang einer Kravatte

60 x 80 cm

Öl/Molino

2008

Privatbesitz Wien

LARGe Tie, Große Kravatte

200 x 150 cm

Öl/Lw

2008

2008-04-09T01:23:00.000-07:00

in: GAMES, zur Kunst und Politik der Spiele

Kunsthalle Wien

project space karlsplatz

28. Mai - 6.Juni 2008

Jake & Dinos Chapman (UK), Künstlergruppe //////////fur//// (D), Carsten Höller (D), Margarete Jahrmann (A / CH), Max Moswitzer (A), Eastwood-Real Time Strategy Group (SRB), Liddy Scheffknecht (A), Jakob Scheid (A), Paul Sermon (UK), Tatia Skhirtladze (A / NL), Axel Stockburger (A), Sam Taylor-Wood (UK), Patrick Wiesner (FL), Erwin Wurm (A)

(Kuratoren: Mathias Fuchs, Ernst Strouhal, Florian Bettel)

Carsten Höller: Spiele Buch

1998/ 2008 Audioinstallation mit Auszügen aus Carsten

Höller’s Spiele Buch (Oktogon Verlag Berlin; hrsg. v. Hans-

Ulrich Obrist; Sprecher: Helmut Bohatsch, Katherina Olschbaur)

In Zusammenarbeit mit ORF Kunstradio / in cooperation with Austrian Broadcast Kunstradio programme
(Ö1, 92 MHz, www.kunstradio.at).

http://www.creativegames.org.uk/Games2008/exhibition.htm

2007-11-07T16:07:00.000-08:00

Die sieben Nächte des Yussuf - Yussuf/Cermak (mit Lorenz Helfer) Galerie Lisi Hämmerle, Bregenz 2007

2007-07-07T00:04:00.000-07:00

1 "Yussuf II, Prinz von Jerusalem", Altstadt Jerusalem, 2007

2 "Karte ", Glas, Aluminium, Bleistift, Papier, 42 x 57 cm, 2007

3 Ausstellungsansicht Yussuf/Cermak, Galerie Lisi Hämmerle, Bregenz 2007

Während meines Aufenthalts in Jerusalem wohne ich in Hotels im östlichen wie im westlichen Teil der

Stadt. Ich fotografiere die einzelnen Hotelzimmer, in denen ich übernachte, und sammle Abbildungen

von Zimmern in bekannten und teuren Hotels, in denen ich selbst nicht gewohnt habe.

Die Serie „Die sieben Nächte des Yussuf“ besteht aus sieben Objekten, die jeweils eine Nacht in einem

Hotelzimmer darstellen. Mit Hilfe schneller Zeichnung skizziere ich rauschende Feste, in denen fiktive

Hotelgäste sich zu Tode schlafen, trinken, feiern.

Die Zeichnungen übertragte ich im Siebdruckverfahren auf Glas, das in einem Abstand von 3 cm auf die

Fotografien der Hotelzimmer gesetzt und von einem Metallrahmen gefasst wurde. Sind die Bilder von

vorne beleuchtet, fallen die Linien der Zeichnung als Schatten auf den Hintergrund, die Hotelzimmer

als Bühnen.

Das achte Bild aus der Serie zeigt einen gezeichneten Stadtplan, in den die Standorte der einzelnen Ho-

tels eingetragen sind. So spannt sich darauf ein Netz, das sich örtlich und zeitlich über die Stadt legt

und die politischen Grenzen und Abtrennungen der Stadt durchkreuzt.

Die sieben Nächte des Yussuf (Pressetext)

Während ihres 4-monatigen Aufenthaltes in Israel wohnte und arbeitete

Katherina Olschbaur in verschiedenen Hotels in Jerusalem.

In den "7 Leben des Yussuf II",

nimmt sie Bezug auf Else Lasker Schülers Werk, in dem die Schriftstellerin

das fiktive Land Theben entwirft, es verherrlicht und ausschmückt.

Else Lasker-Schüler selbst wird jedoch eine wirkliche Heimat verwehrt, sie

bleibt im Exil, auch in ihrem letzten Aufenthaltsort Jerusalem.
Olschbaur findet sich selbst in der Rolle "Yussuf II wieder.

Sie verwendet die Hotelzimmer als Bühne. Jedes Zimmer ist Schauplatz

eines rauschenden Festes.

Die Künstlerin zeigt in der Ausstellung Objekte - Momentaufnahmen -

dieser 7 Feste, in Glas festgehalten.
Am 23. Februar erhielt ich eine E-Mail der Künstlerin, aus der sich

ein erstes Ideen- Konstrukt abzeichnete, welche ich hiermit auszugsweise

weitergeben darf:

"……das philosophische Projekt beschreibt ein Leben im Exil, in dem die

Räume immer provisorisch bleiben. Die 7 Leben des Prinzen Yussuf sind

also jeweils Dokumente oder Entwürfe von 7 Nächten in den besten und

teuersten Hotels, die nicht umsonst "dream resorts" genannt werden.

Der Traum einer Heimat erfüllt sich immer nur für eine Nacht, in der

gefeiert wird, als ob es die einzige und letzte Nacht des Lebens wäre.

Sie sind Dokumente eines Lebens, das sich unmittelbar preisgibt und

erfüllt, weil es keine andere Sicherheit kennt. Dazu kam mir dann

die Idee für unsere Ausstellung. Ich wünsche mir, dass wir im Rahmen

der Ausstellung ein Hotelzimmer mieten, eine Suite, - in einem Hotel der

Stadt - und dort ein riesiges orientalisches Fest zu Ehren Yussufs

feiern- des Eigentlichen - Else Lasker Schülers,

- (mein Yussuf ist nur eine Auffassung) . Dort wird die ganze Nacht

gefeiert, gespielt, getrunken, es gibt Musik, wir laden alle Leute ein,

alle Freunde, auch wenn sie in New York oder Kuala Lumpur wohnen.

Es wird ein grandioses dekoriertes Fest des Rausches, der Inszenierung,

und es wird unvergesslich und verrückt!"

Dieses Fest werden wir zur Festspielzeit in Bregenz organisieren, Ort und

Zeitpunkt sind noch unklar.

Lisi Hämmerle

Heilung der Pestkranken (nach Tintoretto)

2007-07-03T12:52:00.000-07:00

Heilung der Pestkranken/

nach Tintoretto

Serie je 43 x 29 cm

Öl/ grundiertem Papier

2007

13 Tage staubiger Grund, Kunstraum Blumen, 22.4.- 5.5. 2007

2007-05-07T00:05:00.000-07:00

Ausstellungsansicht: 13 Tage staubiger Grund, Kunstraum Blumen, Wien, 2007

Hülsen, Serie 2005, 2007

2007-03-01T00:03:00.000-08:00

1 Schwur

60 x 80 cm

Öl/Molino

2006 - 2007

Privatbesitz

2 Club der Literaten

60 x 80 cm

Öl/Molino

2007

2006-10-21T04:47:00.000-07:00

Rest eines Aufbruchs

2006

Öl/Lw

150 x 200 cm

fratzen

2006-10-03T06:57:00.000-07:00

2006-09-18T03:53:00.000-07:00

blind figures

2006

160 x 135 cm

Öl/Lw

An die Feindin: Mordkleid!

2006-01-09T17:54:00.000-08:00

Mordkleid

100 x 130 x 320 cm

Blaupauspapier, Fäden

2006

An die Feindin

29 x 21 cm

Monotypie auf Blaupauspapier

2006

An die Feindin

29 x 21 cm

Monotypie auf Blaupauspapier

2006

An die Feindin: Mordkleid!

to my enemy: a murder dress

Objekt

Blaupauspapier, Fäden, Zeichnung, Gift

2006

"Bitte Herr Courbet, bitte um Verzögerung" (1. Version)

2005-07-12T00:26:00.000-07:00

Prozession

(Detailansicht)

Öl/Lack/Lw

95 x 67 cm

"..Bitte Herr Courbet, bitte um Verzögerung.."

Version 1

2005

Öl/Lack/Folie/Transparentfolie/Lw

mehrteilige Wandarbeit

ca 290 x 370 cm

"Bitte Herr Courbet, bitte um Verzögerung"

2005-07-06T00:27:00.000-07:00

Bitte Herr Courbet, bitte um Verzögerung

280 x 700 cm

Öl, Lack, Blattgold/ Molino, Folie, Transparentfolie

2005

1. Teil

Wunschcollage, Malerei (2005)

Inszenierung und zeitlich-analytischer Entwurf nach dem Bild "Begräbnis von Ornans" (1848) von Gustave Courbet. Nacherzählung als Wunsch in Öl.

Im Bild wird die Idee eines Storyboards oder Erzählbandes aufgegriffen. Die einzelnen Kader bilden ein zeitliches Hintereinander, fallen jedoch ineinander und brechen wieder auf. Die Figuren schemenhaft und durchlässig, treten zwischen den schwarzen Kadern hervor und verschwinden zugleich in ihnen. Sehnlichster Wunsch Zeit zu dehnen, oder zu verzögern.

2. Teil (2010)

Der zweite Teil der Arbeit ist die szenische Inszenierung eines Begräbnisses in einem leeren Feld in ländlicher Landschaft und stellt zugleich die Suche nach dem Vater dar. Er wird das Begräbnis führen, der Mittelpunkt sein und zugleich weit entfernt. 53 Personen aus verschiedenen Milieus, Freunde, Unbekannte, Alte, Kinder werden eingeladen als Schauspieler am Begräbnis teilzunehmen. Als tragendes Element wird ein Blasorchester oder eine Kapelle engagiert, welche Trauermärsche spielt. Eine Art fröhliches Totenfest, in dem mit allen Mitteln versucht wird, gegen den Tod anzuspielen.

2005-01-07T16:17:00.000-08:00

2004

2004-09-28T01:48:00.000-07:00

Reigen, 2004, 4 min, mixed media animation, sound

Gag / i want to tell you how i love you but i don t know how, it all sounds so stupid

2004-09-28T00:52:00.000-07:00

Gag / i want to tell you how i love you but i don t know how,

it all sounds so stupid

2004

160 x 130 cm

Öl/Lack/Lw

2004-03-05T16:57:00.000-08:00

queen of shades

2004

Öl/Lack/Molino

150 x 130 cm

Balkon ( nach Manet)

2004

Öl/Lack/Lw

150 x 130 cm

2003-11-07T16:11:00.000-08:00

R 4 Zoom

Galerie im Taxispalais

Innsbruck (A) 2003

http://www.artfacts.net/de/ausstellung/r4---zoom-11889/ueberblick.html

Selbstportrait im kalten Raum / self portrait in cold space

2003-07-07T00:05:00.000-07:00

1 Selbstportrait im kalten Raum

self portrait in cold space

150 x 120 cm

Öl/Lack/Molino

2004